críticas chatarras

EL DESCANSO

Nancy Meyers fue la directora de “Lo que ellas quieren”, esa película con Mel Gibson, un machista recalcitrante que, rayo mediante, adquiere la capacidad de “escuchar” lo que las mujeres a su alrededor piensan. Si esa comedia funcionaba (no al 100%) era porque atrás había un muy buen libro. Bueno, “El descanso” no es el caso. Después de ese bodriazo que fue “Alguien tiene que ceder”, Nancy Meyers nos ataca con otra comedia fallida. Es la típica película vendida con una frase – concepto (dos chicas con problemas sentimentales, una en Surrey y otra en Los Angeles, truecan de hogares por dos semanas, encontrando al amor de su vida) y un casting (Jude Law – ¡Cameron Diaz!; Kate Winslet – Jack Black). Una vez que los productores pusieron el dinero, “armamos” el guión a medida, un poquito de esto, otro poquito de más allá, llamamos a algún veterano famoso (Eli Wallach) y le inventamos un rol y listo, tiramos para adelante, la estrenamos con una buena campaña publicitaria y recuperamos la inversión con un margen razonable.

Eso es “El descanso”. Un producto hecho a las apuradas y un desperdicio de actores (¿Les dije que está Cameron Diaz, no?). Lo peor, que parte de una muy buena idea, que podría haber dado más, mucho más de lo que da. El libro es tan malo, tan desestructurado que, en gran parte del filme, Cameron Diaz y Kate Winslet pasan letra, sin saber muy bien cómo seguir adelante.

La peor parte la lleva Kate Winslet porque el guión de Nancy Meyers le cuesta encontrarle un personaje que interactúe con ella en Los Angeles. Por un momento parece ser el personaje de Arthur; por otro, Miles. Pero cuando se encamina en una dirección, la directora pasa a la otra historia y la deja colgada. Y cuando se ve obligada a volver a Winslet, trae un personaje del otro lado del océano, en un perfecto deus ex machina.



La trama mejora cuando Cameron Diaz está en pantalla (¿no vieron como me mira, perdón, lo mira a Graham en la escena del auto?) por la química que logra con Jude Law. Es la mejor historia (casi es la única historia verdadera, porque la otra es un garabato en una servilleta de papel). En los primeros minutos está lo más flojo de Cameron Diaz (en términos relativos, claro, quien puede sostener seriamente algo flojo en la blonda actriz de sonrisa seductora y mirada insinuante como diciéndome “sí, sí, este parlamento es para vos que estás sentado en la butaca e inclinás la cabeza para el mismo lado que se te filtra la baba”) porque debe hablar en voz alta a las paredes del coqueto hogar de Surrey. Cuando aparece Jude Law (¡cómo ha progresado este pibe en las últimas películas! Hasta me resulta simpático. Y eso que le come la boca a Cameron Diaz, ¡Mocoso impertinente saque la mano de esa rubia que yo la vi primero!) la comedia empieza a armarse y hasta logra algunos buenos cruces. No se sostiene por las falencias del guión, pero hay chispa entre ellos (Cameron Diaz y el otro chico, ése, el rubiecito desabrido) que no se puede obviar. Para futuros productores: ¡sigan a esa pareja!



Bueno, seguir analizando esta comedia renga es una pérdida de tiempo. Sólo cabe señalar la presencia de Cameron Diaz (se la ve muy triste, gracias a Dios, tras romper con Justin; buen momento para seguir el ejemplo de su personaje, buscar un destino en Google e irse de vacaciones, no sé, a algún lugar remoto de Sudamérica, como quien dice Buenos Aires, que sé yo, en una de esas, quien te dice, te topás con un buen partido, un economista soltero y no sé… podría ser… pensalo rubia… tu futuro puede estar en el subdesarrollo).

Las mejores frases, mañana. (No todas son de Cameron Diaz, tuvimos que matizar un poco, sino alguno de esos que nunca falta me iba a acusar de una presunta parcialidad con la Rubia Superlativa).

CONSEJO: esperar al video, sin el menor apuro. Ahora, claro… está Cameron…

BABEL

Si Alejandro González Iñárritu se hubiera escondido tras la cámara, dejando que la historia fluyera naturalmente, “Babel” hubiera ganado peso específico. Durante las largas dos horas y media que dura el filme, se adivina la presencia de su director: aquel plano “artístico”, esa mirada de un personaje suspendido un segundo más de lo necesario, cierta morosidad en el tratamiento cotidiano de la realidad. En comparación a “21 gramos” y a “Amores perros”, “Babel” está, en términos dramáticos, un escalón debajo. Un ajuste en el guión, mayor intensidad dramática en los diálogos y un poco más de síntesis, le hubieran dado fulgor a esta interesante historia global. No deja de ser buena, pero le falta dimensión épica.

“Babel” es una película a tres bandas: un chico marroquí, “jugando” con un rifle, le pega un tiro a una turista que viaja en un micro. Ese tiro, como la mítica mariposa de la teoría del caos, tiene repercusiones en todo el globo. Lo tiene en Los Ángeles, en la casa de la turista, en los niños criados por una doméstica mexicana que no sabe con quién dejarlos, para poder viajar a la boda de su propio hijo. Lo tiene en la aldea marroquí, donde los niños responsables del disparo, esconden su “travesura”. Lo tiene en Tokio, en el hombre que puso el rifle en manos de un guía en el desierto.



El tema de “Babel” es el bloqueo en la comunicación. Los conflictos se agravan porque cada uno (no importa en que punto del globo esté) no escucha lo que el otro está diciendo. La falla está no está en el discurso sino en la recepción, viciada por el prejuicio (social, racial, cultural). A fuerza de darse la cabeza contra la pared, a veces, se abre una grieta, y el muro se derrumba. Allí, entonces, los personajes pueden ser entendidos y el conflicto (que creció a niveles insoportables) se desinfla.

Eso es “Babel”. La incomunicación. La incomunicación en una era de medios de comunicación que desinforman y refuerzan el estereotipo. Cuando las escenas se suceden, vemos que, más allá de las diferencias, sea en el primer mundo norteamericano, en el subdesarrollo africano, en el tecnificado Japón, los seres que deambulan por la superficie del planeta tienen las mismas necesidades, los mismos temores: aman, sufren, ríen, festejan, asimilan el duelo.



Entre los aciertos del guión de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu cabe señalar la yuxtaposición, sutil, de costumbres similares, en distintos puntos del planeta. La chica japonesa que se empastilla con sus amigos en la disco, no es muy distinta a los mexicanos que se maman en la boda. La imagen de una droga como lubricante social se logra con la sucesión de dos planos. El miedo de los turistas blancos y obesos ante la mirada de los morochos aldeanos marroquíes, no es muy distinto al miedo que Chieko, sordomuda, demuestra cuando enfrenta a los adolescentes con capacidad auditiva normal. El collage enfatiza el discurso, sin necesidad de agregar un parlamento al respecto.

Justamente, las falencias de “Babel” se encuentran cuando González Iñárritu no confía en la capacidad del espectador para decodificar ese collage. Ahí cae en el plano estático o el pañuelo que ondea al viento, como para decir “acá hay un artista”. “Babel” se ganaba desde la historia, desde el diálogo, no desde la imagen. Ese fue el pecado de su director. No obstante, no hay que dejar caer en saco roto esos apuntes notables, desde el otro lado del Primer Mundo.



Para el novel aprendiz de guionista, vale destacar la capacidad que ha mostrado González Iñárritu para alterar la flecha del tiempo, en sus tramas, con notables logros dramáticos. Tanto en “Amores perros” como en “21 gramos” utilizó el mismo recurso, con igual eficacia. En “Babel”, la alteración de la estructura temporal, aunque menos drástica, tiene un fin: poder contarnos las tres historias en paralelo, reforzando las coincidencias temáticas de cada una, aunque las tramas tengan una evolución cronológica secuencial.

Noten el ordenamiento: la compra del rifle – el disparo – la asistencia a la turista – la ida a México – la pérdida en el desierto – la investigación en Japón. Desplegada de esa manera, la trama perdía fuerza. Partida en su estructura temporal, se refuerza dramáticamente. No es para dejar pasar, González Iñárritu muestra un gran dominio en la utilización de este recurso. Para prestarle mucha pero mucha atención.

En términos actorales, “Babel” se ve desorientada por estos tics del director. Por eso, tal vez, no haya actuaciones descomunales, con la excepción de Rindo Kikuchi, en su papel de la chica sordomuda que ha perdido a su madre. Su actuación se destaca claramente del resto. (Babita para el look colegiala adolescente). Un apunte: ¿no la ven conocida a la nenita rubia, la estadounidense que deambula con su niñera por México? ¿A quién se parece? Sí, efectivamente. Es Elle Fanning, la hermana de Dakota.

Escenas: la escena del tiro; la mirada de los turistas occidentales en la aldea marroquí; la mujer marroquí que le da el cigarro a la turista herida; la escena del beso entre Brad Pitt y Cate Blanchett, mientras ella orina en un sartén; la escena de la detención en el control fronterizo; la cara del niño norteamericano cuando ve como degüellan a una gallina delante suyo; la escena del abrazo de Chieko, desnuda, a su padre, en el balcón de una torre en Tokio; el intento de Brad Pitt, antes de subir al helicóptero, de pagarle al guía marroquí, que éste desestima y el abrazo posterior.



Frases:

Te apuesto a que la bala no llega tan lejos.

¿Qué me das si le acierto a ese coche?

¿Qué sucede? Nos vieron como si fuéramos monstruos.

Ahora van a conocer al verdadero monstruo peludo.

-Aparentemente unos terroristas mataron a un turista americano.
-¿Un americano?
-Si, los terroristas atacaron un camión turístico en la carretera.
-No, no hay terroristas aquí.
-Nunca se sabe.


-¿Que clase de doctor es?
-Es veterinario. Pero es bueno.

No caminen entre las tumbas.

Hoy, cerca de Tazarine, hubo un incidente. Le dispararon a una americana. Las autoridades dicen que pudo haber sido un robo. Pero el gobierno americano rápidamente sugirió un enlace terrorista.

-¿Es tu hija?
-Si. La tercera de cinco. ¿Tienes hijos?
-Si. (MOSTRÁNDOLE UNA FOTO EN LA BILLETERA)
-¿Solo dos? DeberÍas tener mas.

-Como que mi embajada se encarga? Este es tu país de mierda, es tu responsabilidad. Haz algo, ¡haz algo!
-Los americanos detuvieron la ambulancia. Quieren enviar un helicóptero, pero hay problemas.

-¿Que esta pasando? ¿Por que nos escondemos si no hemos hecho nada malo?
-Porque ellos piensan que hicimos algo malo, querido.
-Eso no es verdad. Eres mala.
-No, yo no soy mala. Tan solo hice algo estúpido.

¿Sabe cuantos niños mueren cada año tratando de cruzar la frontera?

CONSEJO: se puede esperar al video.

EL LABERINTO DEL FAUNO

Reconozco que no tengo la pasión que la crítica nacional tiene con las películas de Guillermo del Toro. Es admirable su capacidad para plasmar imágenes bizarras, sádicas, al borde de lo escatológico, monstruos de lo cotidiano al estilo Cronenberg. Pero esas gemas, aunque sean gemas, me siguen pareciendo demasiado dispersas en función de la historia a contar.

“El laberinto del fauno” no escapa a esa condición. Imágenes de un delirio visual exquisito (como ejemplo, ver la visita al monstruo come niños de la segunda prueba) con escenas muy precarias, desde el guión y desde la actuación.

“El laberinto del fauno” es un supuesto cuento de hadas o la fuga hacia la fantasía de una niña, para escapar de un mundo cruel y perverso. Estamos en 1944, en España, y los últimos restos del Ejército Republicano se esconde en bosques y montañas, manteniendo una desesperada guerra de guerrillas, tan inútil como heroica. A ese pueblo, llega Ofelia con su mamá, Carmen, embarazada del cruel Capitán Vidal, el jefe franquista que mantiene un régimen de terror en el lugar. A medida que empeora la salud de Carmen, Ofelia se comunica con un ser sobrenatural, un fauno que le comunica que es una princesa perdida que tendrá que cumplir tres pruebas vitales para volver al reino donde la espera su padre. Cada prueba conlleva un riesgo, en algún caso mortal.



La estructura de cuentos de hadas puede servir como alegoría del fascismo y de la lucha de los que se oponen a ella. Pero es demasiado elemental el sistema de correspondencia de la alegoría y pobre, en términos dramáticos, las pruebas que sobrelleva Ofelia. No se ve un crecimiento del personaje, ni una interrelación con el resto de los personajes del mundo “real”.

En detrimento, el guión de Guillermo del Toro reniega de los grises. Todos los personajes o son demasiado buenos o demasiado malos. El ejemplo del capitán Vidal es paradigmático. Los protagonistas terminan rozando la caricatura. En el detallado despliegue visual, del Toro se pierde de desarrollar la relación de sus criaturas. Es muy básico el grado de interacción entre Ofelia y el capitán Vidal. Y esa relación debía ser, sin dudas, clave. Las pruebas de la niña debían corresponderse con el crecimiento en la relación con el cruel militar. De alguna manera, el todopoderoso Vidal debe ir cediendo poder a la verdad y pureza de la aparentemente débil Ofelia. El fascismo puede imponerse a veces, sobre la justicia y la libertad. Pero su reino tiene un plazo fijo, más tarde o más temprano, debe acabar.



“El laberinto del fauno” tiene un agravante: el bajo nivel actoral. La impostación es un lugar común. Y sorprende teniendo actores como Sergi López o Ariadna Gil que han dado muestras de capacidad, en otras producciones. Las limitaciones de sus personajes, puede obrar en contra. Y el mayor error del casting está en Ofelia (Ivana Baquero) que, en ningún momento, muestra la química necesaria para esta historia.

El rubro destacado es la fotografía de Guillermo Navarro, la dirección de arte y el maquillaje. Si prescindimos de la coherencia con la historia que le sirve de base, son alucinantes las pruebas de Ofelia, en especial el horripilante ser con ojos en las manos, devorador de niños, un auténtico engendro de la noche.

Un apunte aparte: la aparición final de Federico Luppi como el rey.



Escenas destacadas: la segunda prueba con el hombre pálido; la escena en la que el capitán Vidal se cose el corte en la cara; la aparición del fauno, en el laberinto.

Frases: “Mi nombre es Ofelia. ¿Quién eres tú?”, “¿Yo? He sido tantos nombres… Viejos nombres que sólo el viento y los árboles pueden pronunciar. Soy la montaña, el bosque y la tierra… Soy… soy un fauno”; “Capitán, obedecer por la seguridad de obedecer… eso sólo lo hace gente como usted…”; “El capitán ha sido bueno con nosotros… Por favor, Ofelia, llámalo padre. Es sólo una palabra, Ofelia, sólo una palabra”



“Dicen que rompió el reloj en el medio de la batalla, para que su hijo supiera la hora que murió. Que esa es la forma cómo muere un valiente”, “Esa es una leyenda. Mi padre no usaba reloj”; “Es con la otra mano, Ofelia”.

CONSEJO: esperar al video, sin apuro.

Etiquetas: fantastico

LO QUE EL AGUA SE LLEVÓ

Fui con muy pocas expectativas a ver “Lo que el agua se llevó”, un nuevo filme de animación, con la asociación de Aardman (Peter Lord, remember “Pollitos en fuga” y “Wallace & Gromit”) y Dreamworks (Spielberg). Las críticas fueron tibias y, hay que reconocer, la fórmula “película para chicos dirigida para adultos” parece estar dando signos de fatiga. Bueno, para hacerla corta: hace tiempo que no me río tanto con una película. A carcajada limpia, en medio del cine. Si usted quiere pasar un muy buen momento, salir limpio de los problemas cotidianos, “Lo que el agua se llevó” es una más que buena opción.



Roddy es un ratón, mascota esclavo de lujo, en un hogar de humanos. Su sustento está asegurado, pero su vida es muy, muy solitaria. Un día, la familia que lo cuida, lo deja solo de vacaciones. Y Roddy debe lidiar con un congénere intruso que entra por el inodoro. No pregunten cómo, pero Roddy termina yendo al submundo cloacal, una Londres en miniatura donde los ratones tratan de sobrevivir, con las migajas que caen del nivel superior, tiranizados por un cruel sapo psicópata que trama la extinción de todos los roedores. En el medio, historia de amor, héroe que reconsidera su vida y salva la de sus amigos.

La trama de “Lo que el agua se llevó” no deja de ser convencional, pero el guión de Sam Fell (codirector con David Bowers), Peter Lord, Dick Clement, Chris Lloyd, Joe Keenan, Will Davies, Tim Sullivan y Ian La Frenais (sí, todos éstos) gana con la táctica, a puro gag. La sucesión de bromas, engarzadas sobre la estructura tradicional del cuento infantil, es lo que salva el filme.



Podemos hacer una prueba. Párese en la salida del cine y pregúntenle a los espectadores que salen de ver “Lo que el agua se llevó” que les pareció. Me arriesgo a apostar que 9 de 10 van a recordar el coro de babosas (uno de los personajes del año), el Sapo, la Rana Marcel Marceau o la Ranas Ninjas francesas. Esa es la clave: los delirantes personajes que acompañan a Roddy por su excursión submarina y el contrapunto de los opuestos con su pareja romántica, la aventurera Rita.

Lamentablemente, en la copia en español nos perdemos las voces de Kate Winslet, Ian McKellen, Hugh Jackman, Jean Reno o Billy Nighy, pero ya es una desventura que se ha tornado muy frecuente en las pantallas nacionales. A esperar el video, el DVD o la llegada al cable para disfrutarlo.



Escenas destacadas: la ruptura del dique; el museo snobista inglés del Sapo; la persecución por las cloacas de la embarcación de Rita, con Roddy colgando de un andamio; los coros de las babosas; el gag del capitán señalando el camino, hablando con una botella cortada a modo de megáfono.



Frases:

Mamá decía que destaco como la bandera japonesa

-Se robará tu bote
-No se robará mi bote
-Se roba tu bote
-No se roba mi...
-Se robó tu bote

Nunca debí mandarlos a hacer el trabajo de anfibios

Perdóname, mi considerado primo inglés. Pero esta extraña obsesión con las ratas no es buena para tí. Te estás convirtiendo en lo que los franceses llamamos... le loquillo



-Que no es arroz, son gusanos lo que estás comiendo
-Eso explica por que se movían cuando les agregué sal

¡Mosca a las doce en punto!

Estoy harto de ustedes, estúpidos ingleses con su budín de Yorkshire y su pescado frito. ¿Pensaron que podían vencer a Francia?

CONSEJO: ir a verla.

OFRENDAS A LOS DIOSES DE LA VELOCIDAD.

¿Y qué tal si corta el césped? Es una vergüenza para el barrio.

Aquí está la receta perfecta. Dos de Chevy, uno de Ford.

Un tipo una vez me preguntó: "¿Qué tratamiento térmico les da?". Le respondí: "No les doy, sólo los sumerjo en agua fría y listo". Y él dijo: "Ese es el tratamiento térmico".

-¿Por qué orinas en el limonero?
-¿Quién te dijo que hago eso?
-Mi mamá dijo que te ve hacerlo todas las mañanas.
-¿Ella te dijo eso? Bien, es abono. No debemos desperdiciar nada en este mundo.



Yo no se lo dije a nadie más, Fran... pero no creo que vaya a ir a Bonneville este año. No, este año. Setecientos es mucho dinero y el barco zarpa dentro de cinco días.

Sólo me gustaría ver qué tan rápida es antes de tirar la toalla, antes de estirar la pata.

Lamentablemente, sus días de motocicleta se terminaron.

- ¿Es tan importante ese viaje?
- Por supuesto que sí. Desde chico me interesa la velocidad, las motos veloces
y Bonneville es un circuito rápido. Es un lecho seco de lago inmenso y plano y se puede alcanzar el límite con la moto. Es uno de los únicos lugares del mundo donde se puede ver de cuánto una moto es capaz.

Uno vive más en cinco minutos corriendo con una moto así que ciertas personas en toda su vida.



El peligro es el condimento de la vida. Es necesario arriesgarse de vez en cuando, ¿no? Es lo que hace que la vida valga la pena.

-Quien no parte a buscar sus sueños, vive como un vegetal.
-¿Qué tipo de vegetal?
-Qué se yo... un repollo.

-Ve con calma, Burt.
-Es lo único que no pretendo hacer.

Si no voy cuando quiero ir, cuando vaya ya será tarde.

Theodore Roosevelt dijo: "No es la crítica lo que cuenta ni el hombre que señala como el otro tropieza ni dónde aquel que hace podría haberlo hecho mejor. El mérito es de aquel que está en el ruedo".




-¿Cuál es el objetivo de su viaje?
-Batir un récord.
-¿Y cómo pretende hacerlo?
-Con mi motocicleta. Está en el barco, voy a descargarla mañana. Es una Indian Scout 1920 adaptada.

Voy a decirle algo, amigo, es difícil ser viejo aquí.

Cuando esté conduciendo, no sólo en los EE. UU sino en cualquier lugar del mundo el conductor tiene que estar siempre en el centro de la calle. En el centro. Si no está en el centro, está del lado equivocado de la calle.

La vieja Indian está lista para soportar un día más.



Creí que íbamos a lograrlo y ahora mira lo que ocurrió.

El hombre es como una hoja de césped crece en la primavera, fuerte, saludable y verde. Entonces, llega la mediana edad y madura y en el otoño, como una hoja de césped muere y no vuelve más. Como una hoja de césped. Cuando alguien muere, es para siempre. Siempre lo creí desde chico.

- ¿De dónde?
- Invercargill. L-N-V-E-R-C-A-R-G-l-L-L. A veces, lo escribo con una "l" para ahorrar tinta.

-Pero en seis meses terminamos la guerra (de Vietnam), es lo que nos dicen. No veo la hora de irme de allá.
-Sí, recuerdo la guerra de 1914. Yo tenía tu edad y decían eso también. Que iba a terminar enseguida. Causó 20 millones de muertos y duró cuatro años.

Estoy en Bonneville. No lo puedo creer. Estoy aquí, lo logre. Lo logré.




Toda la vida quise hacer algo importante. Algo más importante que mis amigos. Llegamos a Bonneville. Aquí es donde las cosas importantes ocurren.

Lo lograré aquí. Sí. Esta semana. Para eso estamos aquí.

- ¿Y su traje antiflama?
- ¿Qué?
- ¿Su ropa antiflama?
- No pretendo prenderme fuego.

-Creo que él puede correr. Vino de Nueva Zelanda para correr.
-¿Echaste un vistazo en su moto?
-Sólo sé que es un personaje.
-Sí, pero la moto es un dinosaurio.

¿Quiénes se creen que son? Por Dios, no voy a correr un maratón. Sólo voy a sentarme y acelerar. Al final, es mi vida, ¿no?

¿No puedes hacer nada? Sólo quiero intentar pasar los 320, sólo una vez. Después de lograrlo, vuelvo a Nueva Zelanda y listo.



-¿Y la vibración?
-Cruzaré ese puente cuando llegue allá.

Cielos, estoy emocionado hace 25 años que sueño en venir aquí. Tengo que tratar de justificar el respeto de ustedes. Bien, la velocidad original de mi moto era 87km/h. Hoy voy a intentar mejorar eso un poco.
¡Papá, papá! ¡Burt lo logró!

SUEÑOS DE GLORIA

La vieja historia del camino del héroe, del hombre que no cede a resignar sus sueños, no importa que esté en el final de su jornada. “Sueños de gloria” no es una obra maestra, pero es una muy buena película. Y en estas épocas, no es poco. Es la historia increíble, pero real de Burt Munro, un neocelandés de un pueblo perdido al sur de la isla, que se pasó 25 años mejorando la moto Indian comprada en 1920. Cada mejora adicional le fue dando un toquecito más de velocidad. Y su sueño, cuando ya bordea los 70, con una arteriosclerosis a cuestas y un infarto cercano en cualquier momento, es viajar a Bonneville, la mejor pista de pruebas del mundo, para probar de cuánto es capaz esa vieja moto mejorada.

La película de Roger Donaldson (el director de “Trece días”) se mece al ritmo cansino de Invercargill, el pueblito de Nueva Zelanda al borde del océano, en cuyas playas Munro testeaba sus motos. La trama se estructura en tres unidades claras: la etapa pueblerina en Nueva Zelanda, la road movie por las rutas de Estados Unidos hasta llegar a Bonneville y el momento de la prueba, en el lago seco de Bonneville. En cada tramo, el héroe encuentra obstáculos, inconvenientes que nos hacen decir: “no, no va a poder; es una locura”. Pero Munro sigue adelante fiel a su perseverancia en apariencia inconsciente. Ese fuego por la obtención de su sueño contrasta con sus 70 años, su imagen de dinosaurio a quien le pasó de lado la oportunidad. Tenaz, Munro sabe que tiene una chance, sólo una bala más en la cartuchera, y no cederá hasta quedar en la gloria.




No revelamos nada importante en términos dramáticos, si decimos que no sólo Munro quebró el récord mundial para motocicletas de menos de 1000 cc., sino que, esa marca, sigue sin ser batida hoy en día. Impresionante historia de vida y más impresionante porque fue real. (Hay algunas “licencias” poéticas en el relato pero que no invalidan la veracidad del hecho en sí).



En un elenco amable, se destaca la actuación de Anthony Hopkins, en un gran trabajo, medido, sin que su personalidad desborde al personaje que tiene que representar. Es un muy buen papel para poner entre los mejores trabajos de Hopkins.

Escenas a destacar: la ruptura del récord; la llegada a Bonneville; la despedida de Munro de su vecindario; el regreso, en la última escena del filme; los diálogos con Tina.

Las mejores frases, en un post de mañana

CONSEJO: esperar al video. Anotarla para ver.

Lo que todos estaban esperando: ¡basta de pavadas! ¡Carnaza de celuloide! El ranking onanista tradicional de esta página, las potras que derritieron la pantalla el año pasado y nuestro podio de honor. Que se vengan las Diosas de todas partes…

Perro de Pavlov de Oro 2006 a:

Uma Thurman



Mirenla: es flaca, medio chueca, nariguda y con ojos de huevo duro. Vuelvan a mirarla, dos minutos después. No podés creer que exista una mujer tan hermosa. Diosa por donde se la mire, Uma asciende al trono de honor, no tanto por ese bodriazo que se llamó “Secretos de diván”, sino por sus largas piernas cruzadas, sobre el escritorio de “Los productores”, vestidito blanco cortón para la deliciosa Ulla.



Sencillamente, impresionante.

En segundo lugar (ahí nomás), otra chica de celuloide que te rompe el corazón cuando te mira. ¡Suenen trompetas! Tatatatata…!

Perro de Pavlov de Plata 2006 a:

Keira Knightley



En “Orgullo & Prejuicio” no nos podíamos imaginar cómo esa chica podría quedarse solterona, aunque no tuviera un mango partido al medio. Y en “Regresiones de un hombre muerto” nos sedujo su look reventadita borracha al borde del suicidio.



Pero… ¿quién puede olvidarla a bordo del “Perla Negra” con su sombrerito de pirata?



¡Grande Keira! ¡Bienvenida al ranking chatarra!

Y por último, en este podio de honor 2006

Perro de Pavlov de Bronce 2006 a:


Isabelle Huppert

Debilidad de esta página, el sabor francés para este ranking.



La compramos como la jueza de “La comedia del poder”, en trajecito negro y pelo lacio (tras varios cambios de look, en casi dos horas de película). ¿Qué más puede decirse, sino mirarla?



Una sensualidad que nace de cada pequeño gesto, de cada mirada. Aguante la veterana.

Finalistas (todas dignísimas, digo liadísimas), quedaron ahí nomás, las siguientes Diosas del Celuloide del 2006. ¡Un fuerte chiflido para ellas!:

La caminata de la minifalda que acompaña el monólogo de la calle perfecta en “Las muñecas rusas”


Scarlett Johansson, deliciosa en camisa y jeans en “Match Point”

El desnudo de Alexis Dziena, la lolita de “Flores rotas”.


Sharon Stone, belleza otoñal en “Flores rotas”.


Luisa Ranieri, la pulposa morocha que se desnuda generosamente en el segmento de Micheangelo Antonioni de “Eros”


Gwyneth Paltrow, con pulóveres de mangas largas y sucias, en “La prueba”.


Lucy Liu, la deliciosa vecinita de “7, el número equivocado”.


Bridget Moynahan, en bikini blanca, en “Señor de la guerra”.

Emily Blunt, desnuda al contraluz de una ventana en “Mi verano de amor”


Gong Li, cruzada de piernas, en “Division Miami”


Bryce Dallas Howard, sólo con una camisa puesta, largas piernas y pelo mojado en “La dama en el agua”.


Alice Taglioni, la espectacular modelo rubia de “Mi otro yo”.


Luna Paiva, la seductora primita Luciana de “Judios en el espacio”.


Kristin Scott Thomas y Tamsin Egerton, madre e hija, una de morocha, otra de minifalda, en “Sálvese quien pueda”.


Ellen Page, la perversa adolescente vengadora de “Hard Candy”.

Neelesha BaVora, la chica que nos enseña una nueva posición sexual tántrica, en la historia budista “Samsara”.


Eva Green, la fatal chica Bond, de “Casino Royale”


Jennifer Aniston, de morocha, mostrando pechuga, en un hotelucho de mala muerte en “Descarrilados”.


Natalie Portman, la deliciosa Evey de “V de Venganza”


Vera Farmiga, la psicóloga de “Los infiltrados”.